Confidente, de Çagla Zenzirci et Guillaume Giovanetti

Le duo qui a réalisé le film que nous allons voir est aussi un couple à la ville. Elle est née à Ankara et lui à Lyon. Ils se sont rencontrés en 2002. Ils ont beaucoup voyagé ensemble et réalisé à cette occasion plusieurs courts métrages documentaires, sélectionnés dans des festivals internationaux. Puis ils sont passés progressivement du documentaire à la fiction, et ce film est leur 4ème long métrage.

Le précédent avait déjà été sélectionné par notre association. Il avait déjà une femme pour personnage principal mais c’était une femme qui vivait en pleine nature, alors que Confidente est un huis-clos, centré sur une femme qui parle beaucoup alors que le personnage du film précédent était muette. Si je vous dis que ce personnage utilisait un langage sifflé pour communiquer, peut-être retrouverez-vous le titre de ce film ? Il s’agissait de SIBEL.

Ils revendiquent cette grande diversité dans leur cinéma par la volonté d’explorer des univers différents. D’ailleurs, chacun de leur film explore un genre différent (road movie, film fantastique, western, thriller psychologique)

Confidente peut rappeler The Guilty, ce film danois ayant fait l’objet d’un remake aux USA, où l’on assistait à une conversation téléphonique entre un policier et une femme kidnappée. Il s’agit en effet là aussi d’un huis-clos en temps réel qui repose beaucoup sur le jeu de l’actrice principale, pour qui le scénario a été écrit. Pour autant, le film ne manque pas de péripéties et de rebondissements et permet aux réalisateurs d’exprimer un point de vue sur la condition féminine en Turquie, les violences sociales, la corruption de l’état…

Le point de départ de Confidente, c’est le tremblement de terre qui a frappé la Turquie en 2023. « Nous en avons suivi les conséquences sur internet et à la télévision, et en en parlant entre nous, on s’est rendu compte qu’elles étaient extrêmement similaires à celles de celui qui avait eu lieu en 1999, comme si, en fait, rien n’avait changé : les gens vivaient exactement la même chose. On a donc décidé de nous pencher sur cette question. Ensuite, les téléphones roses, qui faisaient fureur en Turquie à la fin des années 90 sont arrivés dans l’histoire, car ils nous permettaient de créer de la fiction sans avoir recours aux images d’archives. Ils nous ont donné la liberté de pour pouvoir traiter du  tremblement de terre sans faire revivre le trauma aux personnes qui l’ont vécu. » En effet Le métier qu’exerce le personnage principal du film (opératrice dans un call center érotique) a connu une grosse explosion en Turquie dans les années 1990, époque à laquelle se déroule l’histoire de Confidente avec le développement des hotlines dans le pays. L’actrice a d’ailleurs rencontré des femmes travaillant dans ce milieu pour donner de la véracité à son personnage.

Le film a été tourné non pas en studio mais dans une maison appartenant à la mère de la réalisatrice, qui a fini par tenir un petit rôle dans le film, ainsi que d’autres membres de la famille.

Enfin, écoutez bien le moeceau final du film, il s’agit d’une chanson de Clara Ysé intitulée Douce qui fait écho au propos des 2 cinéastes.

L’épreuve du Feu – Aurélien PEYRE – le 4 septembre 2025

-Pres Marion Magnard

Aurélien PEYRE est né le 1^er janvier 1992 à Paris et passe toutes ses vacances d’été dans l’île de Bréhat où sa grand-mère possède une petite maison de pêcheur. Et chaque année il retrouve la même bande de jeunes, les élégants enfants des riches parisiens séduits par le charme bréhatin.

Assistant metteur en scène, Aurélien, avec sa sensibilité très affutée, était donc aux premières loges pour observer la sociologie des groupes de jeunes en fin d’adolescence…En 2016, déjà, un court métrage, « la Bande à Juliette » au Festival de Brive, avait attiré l’attention sur les rapports de force dans les groupes, et en 2018, au festival Nouvelle Vague de Biarritz, « Coqueluche », tourné à Bréhat, étudiait comment s’affranchir du regard des autres et des castes sociales.

Cinq ans après, Aurélien décide de reprendre Coqueluche, en le densifiant, pour son premier long métrage qui sera tourné dans l’ile de Noirmoutier. Pourquoi pas à Bréhat, comme Coqueluche ? La réponse est toute simple : les voitures étant interdites à Bréhat, on pouvait transporter du matériel léger en tirant une petite carriole sur les quai du port et sur les chemins de terre pour un moyen métrage mais pour un long, il fallait d’autres moyens.

Dans « l’épreuve du feu », pour Hugo, le personnage principal, c’est le moment du choix entre son désir, l’homme qu’il veut être, et l’indispensable appartenance au groupe ou au réseau., objectifs qui s’avérent très difficilement conciliables…

Et Aurélien tient à ce que ses personnages évoluent dans une île, isolés de leur monde habituel, dans la parenthèse temporelle des vacances.

Révélé dans « Eté 85 » de François Ozon en 2020, Frédéric LEFEBVRE est un Hugo sensible et rageur. Kamil, le vrai ami, ni bréhatin ni parisien, est ioué par le charmant Nolan MASRAF. Quant à l’incroyable Anja VERDEROSA, elle a été découverte par Bruno Levy le producteur, dans un casting sauvage sur les réseaux sociaux. Et dans son rôle de Queen, c’est « un diamant brut de vitalité et de sentimentalité », au milieu des gosses de riches moitié fascinés, moitié méprisants.

Le réalisateur a réuni tous les jeunes acteurs à Noirmoutier un mois avant le tournage, ils se sont bien entendus et c’est donc tout naturellement qu’ils donnent l’impression d’une sorte de colonie de vacances. Aurélien a longuement discuté avec chacun, mais leur a laissé ensuite la plus grande liberté…

La bande-son est l’œuvre de Maud Geffray, compositrice de musique électronique française et DJ.

Sorti le 13 août 2025, le film a été très chaleureusement accueilli par le Public et les critiques saluent « sa mise en scène pudique et d’une grande justesse ». Et si l’un d’eux dans le masque et la Plume reproche à Aurélien d’avoir trop fait poser le regard d’Hugo sur Queen, je vous dirais ce que le réalisateur a glissé dans une interview : « l’épreuve du feu, c’est un petit peu autobiographique… ».

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EDDINGTON, de ARI ASTER – 21 aout 2025 – Pr. Marion Magnard

Ari ASTER est né en 1986 à New York, d’un père musicien et d’une mère poète.

Il a 7 ans lorsque ses parents quittent New York et s’installent au Nouveau Mexique, un des « four Corners », les 4 états du Sud-Ouest des USA. Bien qu’ayant baigné dans la musique et la poésie dès sa naissance, Ari est subjugué par les films d’horreur qu’il dévore dans toutes les vidéothèques. Et pour lui, la famille est le lieu de toutes les ignominies… son premier court métrage lorsqu’il étudie le cinéma à l’Université de Santa Fé, capitale du Nouveau Mexique, aura pour thème un père abusé par son propre fils… 

Revenu à New York, li est la star du Studio de Production indépendant A24, qui produit ses 3 premiers films : Hérédité en 2018, Midsommar en 2019 , Beau is afraid, en 2023, déjà avec Joachin Phoenix, 3 thrillers sur les deuils, les atavismes familiaux et les traumatismes héréditaires.

Alléché par ce ton nouveau, le Festival de Cannes 2025 sélectionne pour la compétition officielle EDDINGTON, son 4^ème film.

EDDINGTON est un autre Thriller, tout à la fois politique et policier. C’est un nouveau-western, cynique et particulièrement violent.

La Bande-son, collaboration entre le cinéaste et les musiciens Krlic et Pemberton est anxiogène avec sa basse profonde de film noir.

Le casting mélange des étoiles montantes et des comédiens oscarisés comme Joachim Phoenix, omniprésent, Pédro Pascal et Emma Stone.

Les critiques sont diversifiées, on peut lire :

– Portrait d’un monde aussi inquiétant que réaliste

– Un film en gros sabots sur l’Amérique trumpiste actuelle

– Satire d’une Amérique divisée et au bord de l’explosion.

Mais je préfère vous faire écouter Ari ASTER lui-même :

« J’ai aimé donner à ce film le cadre d’un western, paysage qui reflète ce que l’Amérique est devenue, un farwest fracturé où les individus enfermés dans la vérité de leur smartphone sont des radicaux libres qui se percutent en vase clos…Mais je refuse de croire mes compatriotes programmés pour la Haine. »

Et maintenant c’est à vous de découvrir Eddington !

Deux ans après Asteroid City, Wes Anderson propose une nouvelle plongée dans les années 1950 avec The Phoenician scheme.

Cet américain de 56 ans d’origine scandinave nait à Houston au Texas d’une mère archéologue et d’un père dans les relations publiques. Jeune homme, il choisit de suivre des études de philosophie et tourne en parallèle des courts métrages en super 8. Il apprend donc par la pratique sans suivre de véritables études de cinéma. Dans son université à Houston, il rencontre Owen Wilson et Bill Murray dans un cours d’écriture de scénario.

Le réalisateur autodidacte débute alors dans le cinéma d’auteur indépendant en 1993 par un court-métrage en noir et blanc Bottle Rocket, une comédie policière qui raconte les aventures de trois jeunes Texans désœuvrés qui commettent un braquage sans avoir l’envergure de criminels professionnels.

Le cinéma de Wes Anderson a une facture très caractéristique et a fait l’objet d’une récente exposition à la cinémathèque de Paris. Son univers esthétique et sophistiqué inspire tellement d’artistes et de photographes qu’un compte Instagram intitulé Accidentally Wes Anderson a été créé en 2017 pour réunir des clichés évoquant l’esthétique de ses films et a donné lieu en 2020 à la publication d’un livre préfacé par Wes Anderson lui-même.

On peut dire que son cinéma se situe au carrefour de la comédie dramatique, du film d’aventures et du conte surréaliste . Il se caractérise par le goût de l’artisanat avec l’utilisation de miniatures et de maquettes ainsi que d’objets sophistiqués ; le goût des tableaux vivants et des scènes colorées filmées en pellicule 35 mm avec des plans frontaux ou verticaux fixes ou balayés en travelling latéral et l’omniprésence de la musique.

L’objectif dans The Phoenician scheme est d’inventer une histoire proche des grandes figures de l’industrie européenne comme Calouste Gulbenkian, Onassis ou Niárchos, armateur grec connu pour avoir lancé le premier super pétrolier ou encore Árpád Plesch, banquier et avocat hongrois, propriétaire d’une célèbre collection de livres rares de botanique et de dessins précieux de pornographie ésotérique qui fut le mentor de la première fortune d’Italie le patron de Fiat, Gianni Agnelli.

Ainsi le personnage du prince Farouk, interprété par Riz Ahmed est inspiré de Calouste Gulbenkian homme d’affaires, mécène et grand collectionneur arménien. Cet industriel a eu un rôle central dans le partage des richesses pétrolières du Moyen-Orient entre les grandes puissances britanniques françaises et américaines et dans la structuration de l’industrie pétrolière au Moyen-Orient. En 1920 , il avait judicieusement négocié une part de 5% des champs de pétrole qui venaient d’être découverts en Irak et en retira un revenu de plusieurs millions de dollars, d’où son surnom de Monsieur 5%. Il amassa une des fortunes les plus colossales de son temps et constitua une des premières collections d’art mondiales qu’il légua à une fondation portugaise, la fondation Calouste-Gulbenkian située à Lisbonne .

Wes Anderson explique que l’intrigue se nourrit je cite « des enjeux politiques de la région, de ses multiples territoires, de ses fiefs ».

Les personnages sont nombreux et hauts en couleur comme Marseille Bob, joué par Mathieu Amalric qui s’inspire de films comme Bob le flambeur de Jean-Pierre Melville ou de Touchez pas au grisbi de Jacques Becker. Wes Anderson précise qu’ils sont aussi en partie inspirés par des figures issues du cercle de Fouad Malouf, son beau-père homme d’affaires libanais à qui il dédie le film.

L’essentiel du film a été tourné en intérieur dans les plus anciens studios de cinéma du monde fondés en 1912, et situés dans le quartier de Babelsberg à Potsdam dans la banlieue sud-ouest de Berlin. C’est dans ses mêmes studios qu’il avait filmé les maquettes miniatures pour The grand Budapest hôtel. Le bâtiment qui accueille la création de costumes et de décors a depuis cette année été rebaptisé Bâtiment Wes Anderson.

Les 3 acteurs principaux Benicio Del Toro, Mia Threapleton et Michael Cera y ont retrouvé Wes Anderson pour deux semaines de répétitions avant le début du tournage, tournage qui a duré 3 mois pendant lesquels la complicité entre techniciens, comédiens et figurants a pu s’installer au cours des dîners collectifs traditionnels organisés par Wes Anderson.

Pour l’anecdote un Renoir issu de la collection Nahmad ayant autrefois appartenu à Greta Garbo, un Magritte provenant de la collection Pietzsch, et plusieurs tableaux prêtés par la Hamburger Kunsthalle participent au décor ce qui a imposé la présence de gardiens sur le plateau.

La costumière Milena Canonero, multi oscarisée, a conçu les costumes. À partir de recherches sur la période où se déroule le film, mais aussi de photographies de peintures ou d’autres films. Elle a défini le style de chaque personnage avant de les présenter aux acteurs.

Les effets spéciaux ont été réalisés de manière artisanale comme pour la libellule qui se pose sur l’avion de Zsa-Zsa et qui en réalité est une marionnette. Le ciel et les nuages qu’on aperçoit par le hublot, sont faits en toile peinte et en boules de coton.

Enfin, la bande-originale réunit des morceaux des jazzmen légendaires, Glenn Miller et Gene Krupa, dont la batterie a inspiré la percussion qui traverse toute la bande-son.

Au-delà des références cinématographiques et historiques, Wes Anderson confie qu’il a souhaité explorer le rapprochement entre un père et sa fille. Je vous laisse maintenant découvrir The Phoenician scheme.

Doris Orlut

L’ACCIDENT DE PIANO, de Quentin DUPIEUX – 31 juillet 2025 – Marion Magnard

Fils d’un garagiste parisien ami de Coluche, Quentin Dupieux tout gamin accompagne sur les plateaux l’ami de son père, il sera même figurant dans un de ses films, et demeurera littéralement « habité » par le cinéma. Dès l’âge de 12 ans, il s’amuse à faire toutes sortes d’expériences avec une caméra. Il apprendra ensuite les techniques du cinéma pendant son service militaire avec l’équipement haut de gamme de l’Ecole Polytechnique. Il ne fera pas d’école de cinéma et son professeur sera son ami le cinéaste Michel Gondry.

Et connaissant tout du cinéma, de la production au montage, il est à ce jour l’éclairagiste, le script, le scénariste, le cadreur, le musicien, de 19 films en 24 ans.

Vous avez selon vos goûts plus ou moins aimé chacun de ses 13 premiers films les plus connus, de l’irrésistible « au Poste » avec Denis Podalydes en 2018, au « Le 2ème acte » en ouverture du festival de CANNES 2024, en passant par « Daaaali ! » avec 5 acteurs dans le rôle-titre. Et vous allez découvrir maintenant son dernier film, avec en vedette Adèle Exarchopoulos, découverte dans « la vie d’Adèle » d’Abderatif KECHICHE en 2013.

Je me demande comment vous allez accueillir Adèle dans son 3^ème film avec Quentin Dupieux, 5 ans après son rôle de gentille crétine dans « Mandibules » et 3 ans après avoir joué Céline assassinée à coups d’outils de jardinage dans « Fumer fait tousser » sans doute l’un des plus délirants des films Dupieusiens, et ce soir en Magalie, dite Mégaloche, la Youtubeuse qui ne connait pas la douleur, dans une ambiance particulièrement pesante et accentuée par la bande-son.

Jusqu’à présent Quentin DUPIEUX réservait volontiers à ses actrices des rôles de débiles mais cette fois Adèle, transformée après des heures de maquillage et diverses prothèses, est le personnage central. Les 3 acteurs, Adèle, Sandrine Kiberlain la journaliste et l’assistant faire valoir Jérôme Commandeur sont tous trois excellents, et disent avoir beaucoup aimé leurs rôles hors de leur zone de confort et d’être dirigés par ce réalisateur précis et cash !

Adèle-Magalie est-elle dans « l’accident de piano », ce film drôle et méchant, le porte-parole d’un nouveau Quentin Dupieux, éprouvant un véritable mal-être, voire de la haine, devant ce qu’est devenue notre civilisation à l’ère des réseaux sociaux ? A nous de voir…

Marion Magnard

Le film que vous allez voir ce soir était au départ un projet de Laurent Cantet, le réalisateur de Ressources humaines, sorti en 2000, L’Emploi du temps, sur l’affaire JC Romand en 2001 ou encore de Entre les murs, qui a obtenu la Palme d’or en 2008. Laurent Cantet est également le fondateur d’une plate-forme de streaming très appréciée des cinéphiles = la Cinetek, 1ère plateforme consacrée au cinéma de patrimoine.

Ce projet est donc le sien, il en est le scénariste mais au moment de passer à la réalisation, apprenant qu’il était atteint d’un cancer, Laurent Cantet a fait appel à son ami Robin Campillo (réalisateur de 120 battements par minute, L’Ile rouge…) pour le seconder. Robin Campillo n’est pas seulement un ami de Cantet, il est le monteur de 6 de ses précédents films et le co-scénariste de 5 d’entre eux. Il s’agit donc non seulement d’une longue histoire d’amitié, mais d’un long compagnonnage de travail. Ils ont fait ensemble le casting des 4 personnages principaux : 2 comédiens aguerris dans les rôles des parents (Elodie Bouchez et Pierfrancesco Favino) et 2 autres acteurs non-professionnels : dans le rôle d’Enzo un jeune homme qui a fait de la natation de haut niveau, et dans le rôle du maçon ukrainien, un ouvrier maçon travaillant sur les chantiers. Cette tension entre acteurs confirmés et débutants permettant de créer déjà un rapport de classe entre les les personnages.

Par la suite, l’état de santé de Laurent Cantet va se dégrader rapidement, quelques semaines avant le tournage, il va donc confier la réalisation à son ami, en accord avec sa compagne et sa productrice.

Ce film est un récit initiatique, un portait d’adolescent en manque de repères, mais il renouvelle le thème de l’émancipation adolescente en racontant un parcours de transfuge de classe à l’envers : Enzo cherche à se libérer de la contrainte familiale « par le bas », en échappant à la trajectoire scolaire et à ses outils de contrôle comme Parcoursup, pour se confronter à la brutalité du monde du travail manuel. Il s’agit donc d’un film qui, comme souvent chez Laurent Cantet, aborde des questions sociales (on y assiste à des scènes de confrontation des classes sociales, de discussion au sujet du salaire des personnages) à travers le prisme de l’intime.

Doris Orlut

LES MUSICIENS – Grégory MAGNE- 9 juin 2025 –

Presentation Marion Magnard

Grégory MAGNE né en 1976, journaliste d’origine bourguignonne, ne semblait pas prédestiné à devenir un hardi navigateur. Mais en 2007 il décide de se lancer dans la course transatlantique Voiliers 6m50, de la Rochelle au Brésil. Il film son aventure et en fait un véritable documentaire sous le titre « 24 heures par jour de mer », très bien accueilli. Et, sous l’influence peut être de ses amis acteurs ou musiciens, il abandonne le journalisme pour le cinéma, d’abord les documentaires et les scénarios, puis les films

Les deux premiers, « L’Air de rien » en 2012 et « Les parfums » en 2020, nous présentent deux duos improbables : la rencontre de deux personnalités inconciliables qui auront une aventure commune (un huissier joué par Grégory Montel et un ancien chanteur criblé de dettes joué par Michel Delpech dans le premier, et Emmanuelle Devos créatrice de parfums et son nouveau chauffeur qu’elle ne regarde même pas, aussi joué par Montel, dans le second).

Pour les Musiciens, son 3^ème film, le duo s’agrandit : trois violonistes et une violoncelliste, musiciens professionnels et très bons comédiens, un luthier professionnel qui joue un luthier, et de nombreux acteurs que vous reconnaitrez avec plaisir, comme Frédéric Pierrot que vous avez aimé psychiatre dans Thérapie, qui joue le compositeur, et une délicieuse Valérie Donzelli que vous connaissez aussi comme réalisatrice de « la guerre est déclarée » et « de l’amour et des arbres »,  débordée par l’énormité de la tâche qu’elle a entreprise pour réaliser le rêve de son richissime père défunt.

Et vous avez ce soir doublement bien fait de venir au cinéma :

• D‘abord, c’est la fête de la Musique. Ciné Festival et Toiles-Emoi ne pouvaient pas trouver mieux que vous faire découvrir à cette occasion une élégante et savoureuse comédie humaine , et l’oeuvre qui est le cœur du film, créée par le compositeur Grégoire Hetzel assisté par Daniel Garlitski qui est à la fois un des violonistes et le superviseur musical du film.
• Et ensuite parce qu’en la période sévèrement troublée que nous traversons nous serons heureux de voir ce film qui nous dit qu’on peut trouver l’harmonie si on accepte de s’écouter les uns les autres.

Pour une soirée des 1ères fois : 1ers projets scolaires au long cours pour nos élèves, 1ère diffusion au cinéma… le film Partir un jour nous a paru être dans la continuité.

C’est en effet le 1^er long métrage de fiction d’Amélie Bonnin, qui lui a valu sa 1^ère participation au festival de Cannes, où c’était également la 1^ère fois qu’un 1^er long métrage faisait l’ouverture !

Pourtant, sa réalisatrice n’est pas tout à fait une débutante. Elle a 40 ans cette année, a réalisé en 2012 un 1^er long métrage documentaire sur la boucherie familiale, milieu dont elle est issue, puis un autre documentaire en 2017. En 2021, elle sort un court- métrage musical intitulé… Partir un jour, qui reçoit le César du meilleur court métrage de fiction. Elle suit donc ainsi un chemin identique à celui d’un autre réalisateur, Xavier Legrand, dont le court métrage Avant que de tout perdre avait reçu le même César en 2014, ce qui lu avait permis de tourner ensuite le long métrage Jusqu’à la garde. Ce processus s’inscrit dans un plan de financement qui permet aux réalisateurs de courts métrages remarqués d’obtenir le financement pour un long, on souhaite le même destin à nos apprentis cinéastes ! En recevant son César, la réalisatrice avait d’ailleurs déclaré « j’ai 40 ans, des cheveux blancs, et tout commence !

Ce film est donc une sorte de remake du court, qui reprend les mêmes acteurs principaux (Juliette Armanet, Bastien Bouillon, mais en inversant les rôles, et je vous incite vivement à voir le court métrage, actuellement disponible sur arte, ainsi que son making of (jusqu’à demain seulement)

Le titre annonce est programmatique à 2 points de vue : d’une part, il annonce le sujet du film (l’histoire d’un personnage qui a quitté la petite ville de son enfance pour voir plus grand) mais il annonce aussi les chansons populaires qui vont traverser le film puisque c’est une référence à un tube que les moins de 20 ans ne peuvent pas connaître : une chanson de 1996 du boy’s band les 2be3. En effet, vous allez voir qu’une partie des dialogues sont remplacés par des chansons connues, interprétées par les acteurs eux-mêmes, acteurs ou chanteurs puisque l’interprète principale est Juliette Armanet. La réalisatrice croit en effet à la capacité de ces chansons populaires d’exprimer des choses profondes, difficiles à dire, et pense que le plus beau des dialogues, c’est de chanter « mourir sur scène » de Dalida en épluchant des patates. Alors les élèves nous ont présenté ce soir des documentaires, un film d’animation, un film d’apprentissage, une comédie … peut-être un film musical l’an prochain ?

TU NE MENTIRAS POINT (SMALL THINGS LIKE THESE)

Le film que Toiles Emoi vous propose ce soir est l’adaptation du roman de Claire Keegan sorti en 2020, Small Things Like These qu’on peut traduire par Ce genre de petites choses…. Il met en scène l’histoire peu connue des couvents de la Madeleine, ces institutions religieuses irlandaises qui ont accueilli jusque dans les années 80 les « fallen women » ces jeunes femmes prostituées, victimes d’incestes ou de viols. Souvent placées de force par leurs parents ces jeunes femmes, sous prétexte de réhabilitation morale, y étaient contraintes au travail forcé dans des conditions indignes. Suite aux témoignages de victimes survivantes et à la découverte de charniers anonymes, le gouvernement irlandais a officiellement reconnu sa responsabilité en 2013. Cependant l’autorité religieuse du Vatican, ne l’a toujours pas reconnue. Aujourd’hui ce pan de l’histoire reste largement tabou et ignoré de beaucoup d’irlandais.

En 2002, The Magdalene sisters le film de Peter Mullan, lion d’Or à la Mostra de Venise, avait fait découvrir ce scandale de l’église catholique irlandaise.

20 ans après, le réalisateur flamand, Tim Mielants, fidèle au roman de Claire Keegan aborde ce récit historique par le prisme d’un protagoniste masculin, qui enfant a vécu la perte de sa mère. Les thèmes de la perte et du deuil sont des thèmes qu’il affectionne particulièrement.

Cillian Murphy interprète cette figure masculine en observateur silencieux. C’est d’ailleurs lui qui a proposé à Tim Mielants d’adapter le roman à l’écran. Il est également producteur du film, en collaboration avec Artists Equity, la société de production de Matt Damon et Ben Affleck. L’ambition d’Artists Equity est de respecter la vision des artistes et de promouvoir le partage des bénéfices avec leurs créateurs.

Vous remarquerez que le titre choisi pour la distribution du film en France est Tu ne mentiras point. On peut l’interpréter comme une référence à la transgression de ce commandement biblique par les institutions religieuses. Vous remarquerez aussi les choix artistiques pour illustrer la pression sociale et la violence psychologique de cette époque où l’Irlande se chauffait encore au charbon. Les plans sont statiques, la lumière en clair-obscur et le silence est omniprésent. Ainsi le jeu d’acteur repose sur le regard, la posture et les expressions du corps.