Archives de l’auteur : Danièle Mauffrey

SLALOM, de Charlène Favier, jeudi 3 juin 2021

Enfin nous pouvons nous retrouver !! Jusque là nous étions englués dans l’attente de le réouverture des salles, et même si les conditions ne sont pas encore tout à fait normales , nous pouvons reprendre notre programmation et nous nous en réjouissons …

       C’est avec grand plaisir que nous allons découvrir ce soir le premier long métrage d’une jeune réalisatrice de 35ans, originaire de Bourg-en-Bresse: Charlène Favier. Son père possédait une entreprise de matériel de ski et sa mère était un peu artiste, elle peignait. Ancienne sportive  de haut niveau, Charlène a passé son enfance et son adolescence entre Bourg et Val d’Isère. Jusqu’à l’âge de 16 ans elle a enchaîné les compétitions  de ski. Puis, lassée  par l’exigence du sport, elle a décidé d’assouvir ses 2 passions: les voyages et l’art sous toutes ses formes, passions que lui avait transmises sa mère.

Après ces années » d’errance », selon ses termes, elle prend conscience qu’elle  a constamment envie de raconter  des histoires, de les transmettre et pourquoi pas de les filmer.

Elle part à Londres  se former au jeu d’acteur à l’école de Jacques Lecocq: école dans laquelle, dit-elle, on ne parle pas , on travaille uniquement avec son corps. Puis elle  apprend la mise en scène à New -York et enfin  elle termine son parcours en intégrant l’atelier scénario à la Femis à Paris. Dans ce  cadre elle écrit une histoire qui brise les tabous, les silences dans le milieu sportif. A l’époque, ces agressions n’étaient pas encore massivement dénoncées dans la sphère médiatique. (on est en 2014).Elles ont déferlé dans le sillage de la vague #metoo.

Charlène reprend plus tard cette ébauche de scénario qu’elle retravaille avec Marie Talon, et cela deviendra : Slalom. Ce n’est pas une oeuvre  autobiographique. Toutefois Charlène ravive ici une blessure d’enfance vécue dans un autre milieu.

L e film a failli ne pas se tourner: les gros  distributeurs et les principales chaînes de télévision ne voulaient pas le produire, le sujet leur faisait un peu peur. Cependant Charlène était déjà bien connue lorsqu’elle le propose. Elle avait déjà réalisé plusieurs courts-métrages sélectionnés dans les festivals et tous diffusés sur FranceTélévision. Sa rencontre avec Jean-Jacques  Bernard, critique à Antenne 2, à Radio France (nous l’avions reçu ici pour fêter les 25 ans de notre association : il était venu  nous parler du chef d’oeuvre  de Billy Wilder » Certains l’aiment chaud ») cette rencontre l’amène  à s’adresser à Edouard Mauriat qui accepte de produire son film. Edouard  Mauriat est toujours très  attentif à ce qui se passe dans l’Ain, il est le petit-fils de Suzanne  Ulmann,  elle qui a tant fait pour sauver le château des Allymes de la ruine.

Slalom a été dévoilé à la fin de l’été dernier au festival du film francophone d’Angoulême où il a obtenu le prix Magelis. Puis il a enchaîné  les récompenses: prix d’Ornano Valenti à Deauville, prix Bayard à Namur et consécration! il a fait partie  de la sélection officielle du festival de Cannes en 2020. Celui-ci n’a pu avoir lieu mais la sélection reste un label. Des institutions comme le Ministère des Sports, la Ligue des Droits de l’Homme, s’emparent du film comme un outil de lutte contre les violences dans le sport. La Suède , le Canada, l’Angleterre, les Etats-Unis ont choisi de le projeter dans les écoles. Nous le ferons aussi à Ambérieu.

Les 2 acteurs principaux: Noé Abita, qui avait déjà travaillé avec Charlène dans ses courts-métrages et Jérémie Rénier, qui incarnait Claude François dans « Cloclo », ont su traduire tout ce que Charlène portait en elle depuis de nombreuses années. Ils ont lu  avec elle le  scénario, ont beaucoup échangé, eux qui ne sont pas passés par des écoles, et avant le tournage ils ont  tout fait  pour incarner au mieux les personnages: Noé s’est  isolée  2 mois avec la coach sportive de la section ski-étude de Bourg-St Maurice, Jérémie a lui aussi  passé beaucoup  de temps avec les entraîneurs  des clubs des Arcs, deTignes, de Val d’Isère, stations dans lesquelles a été tourné le film: il a appris les gestes , les automatismes du métier , le jargon. Yann Maritaud , le directeur de la photo, a veillé à ce que la lumière accompagne les émotions tortueuses de l’héroïne ( d’où le titre également) et ce dans un décor ouvert sur la montagne.

Pour la musique, Ch.Favier a fait appel à un collectif de 3 musiciens, ce sont eux qui ont également composé la bande originale  des films de Thomas Lilti (nous avions  eu le plaisir de le recevoir pour « Médecin de campagne ») Un remarquable travail  sur le son est aussi à souligner.

Charlène  a réalisé ce film qu’elle juge nécessaire, pour libérer la parole, pour ouvrir un débat. C’est également un film sur la résilience et au fond sur l’émancipation. La carrière de cette jeune bressane (cela mérite d’être mentionné !) semble très prometteuse.

            Denise Brunet

Les choses qu’on dit, les choses qu’on fait, Emmanuel Mouret, jeudi 15 octobre 2020

Nous vous proposons ce soir le 10ème long métrage du réalisateur  Emmanuel Mouret .Son  film, considéré comme le plus abouti, a fait partie  de  la sélection  de Cannes 2020.

« Les choses qu’on dit les choses qu’on fait »  Pourquoi ce titre ? Pour lui  un des grands plaisirs du cinéma est de  confronter un  personnage à ses paroles. Fera-t-il ce  qu’il a dit ? Est-il vraiment  celui qu’il prétend être ?   » La vertu du cinéma , dit-il,  est d’ observer le monde  dans sa complexité et les personnages dans leurs contradictions »

Nous avons découvert E.Mouret en 1999 dans son 1er film qui marquait  sa fin d’études à la Fémis, un film  ayant pour thème l’amour « Promène-toi donc tout nu « .Il y tenait le rôle  principal, nu comme un ver ou presque…..Depuis,  il poursuit  ses variations  sur les tensions du désir avec  » Un baiser  s’il-vous-plaît », « L’art d’aimer », « Caprice » et plus  récemment : « Mademoiselle de Joncquières  » sorti en 2018.

Dans le film de ce soir  , il interroge particulièrement la raison et la déraison du sentiment amoureux  avec un mélange de  douceur mais aussi de cruauté , même si ses personnages  refusent l’affrontement..Il place son propos sous l’égide  du philosophe contemporain  René Girard  ( décédé en 2015).La théorie de Girard  se résume ainsi  » on ne désire jamais  l’autre  en soi mais parce  qu’on le sait lui-même désiré par un tiers ». Ce n’est pas un hasard  si Mouret  s’appuie sur  un philosophe car son cinéma est très littéraire; les mots chez lui  ont beaucoup d’importance; il dit d’ailleurs  » un film se regarde , s’entend et surtout s’écoute ».il refuse que ses interprètes  touchent à une ligne de dialogues  , mais par contre il cherche avec eux la façon de les incarner.

Sur le plan technique, il utilise  surtout des plans-séquences en  mouvement ,et de nombreux flash-back entrelacent les différents  récits amoureux.

Son  film est non seulement littéraire mais  très musical .La musique classique  devient une véritable voix off qui nous  plonge au coeur des émotions et qui nous fait ressentir la variété des sentiments. On entendra des pièces  de Satie, Poulenc, Chopin , Mozart, Purcell.

Sa mise en scène délicate fait écho à la retenue de ses comédiens : Camélia Jordana, Niels Schneider, Emilie Duquenne , Guillaume Gouix, Vincent  Macaigne: le point commun  à tous , si je puis dire , on ne les a jamais entendus parler comme ça ! Ils  donnent vie et épaisseur à des personnages qui auraient pu devenir  les pions d’un banal marivaudage.

Le cinéaste  dit  s ‘être inspiré  de Rohmer, Truffaut, Woody Allen et Buster Keaton : le comique  burlesque  n’est,  paraît-il,  pas absent  de son film.

Sophie Avon , critique de cinéma, participait à l’émission de France Inter   » Le Masque et la Plume », elle nous recommande  en particulier  la scène de la gare , elle qualifie le film de « réservoir d’humanité et d’émotions », j’espère que vous y puiserez  du plaisir.

Denise Brunet

ADN, de Maïwenn, en avant-première le 08 octobre 2020

ADN, Maïwenn

Maïwenn est comédienne depuis l’âge de 5 ans (L’Année prochaine si tout va bien, de JL Hubert) et réalisatrice depuis l’âge de 28. Elle a notamment réalisé Le Bal des actrices  en 2009,  Polisse en 2011 et Mon roi en 2015.

Ce film est né dans des circonstances particulières : en 2019, M travaillait depuis 3 ans sur un projet consacré à Mme du Barry, un film en costumes, compliqué à financer, et qui ne pouvait pas aboutir dans un temps court. A ce moment, son producteur lui propose, en attendant, de partir sur un autre projet mois coûteux : c’est alors qu’elle ressort des notes accumulées de puis des années et qui sont la base d’ADN.

Elle a écrit le scénario avec Mathieu Demy, qui venait de perdre sa mère et qui avait envie, comme elle,  de s’exprimer sur le thème du deuil, de la perte d’un être cher. Ils ont écrit ensemble un texte qui n’était pas exactement un scénario, mais des scènes résumées avec seulement des fragments de dialogue, afin que les comédiens improvisent et s’approprient leurs personnages.

Le personnage central du film, est inspiré de son propre grand-père, tout comme le personnage qu’elle joue est inspiré d’elle-même, toutefois elle refuse le terme de film autobiographie. Maïwenn s’est certes passionnée à un moment pour la recherche de ses origines, mais cette quête identitaire est pour elle quelque chose qui concerne tout être humain et qui n’est pas uniquement une question nombriliste. Elle aimerait que les spectateurs tirent de la vision de son film des questions sur ce que leurs parents, leurs grands-parents leur ont transmis, et ce qu’ils ont eux-mêmes envie de transmettre. Cette question est aussi, selon elle, une manière de surmonter le deuil, de donner du sens à l’absence.

Maïwenn s’est entourée pour ce film d’un casting remarquable et parfois surprenant (Fanny Ardant, Louis Garrel, Marine Vatch, mais aussi Dylan Robert que l’on a vu dans Schéhérazade ou Alain Françon, metteur en scène de théâtre qui n’avait joué qu’un petit rôle dans Guillaume et les garçons). Mais je voudrais proposer un coup de projecteur sur une autre femme de l’équipe technique : Laure Gardette, qui a monté 4 autres longs-métrages de la réalisatrice et reçu le César du meilleur montage pour Polisse. Pour ce projet, elle a reçu de Maïwenn 150 heures de rushes (60 en moyenne sur les autres films qu’elle a montés), pour arriver à un premier montage de 5h30, puis un 2ème de 2h45. Sa complicité avec la réalisatrice lui permet selon elle de « révéler » des éléments inconscients. Elle raconte notamment le montage de la dernière scène du film, une scène tournée en Algérie pendant des manifestations, avec un Iphone, afin d’éviter les problèmes qu’aurait pu causer un matériel plus voyant. La monteuse ne savait pas bien ce que cette scène devait raconter, mais c’est la découverte d’une chanson d’Idir, chanteur Kabyle récemment disparu, qui a révélé le sens inconscient de cette scène, une chanson intitulée « Lettre à ma fille », et qui associée à ces scènes, a ému aussi bien la monteuse que la réalisatrice qui a eu l’impression de retrouver la voix de son grand-père.

Danièle Mauffrey

Mignonnes, de Maïmouna Doucouré

MIGNONNES, de Maimouna DOUCOURE – 1er octobre 2020 –

Présentation Marion Magnard

Vous allez découvrir le premier long métrage de la ravissante et brillante Maïmouna

DOUCOURE, franco-sénégalaise, née à Paris en 1985.

Elle est le 5ème enfant d’une famille de 10, avec un papa et deux mamans, qui vit dans un appartement de 50 m2 dans le melting-pot du 19ème arrondissement de Paris La grande distraction de Maïmouna enfant c’est de regarder des films d’horreur avec ses grands frères. Mais ses toiles préférées seront par la suite beaucoup plus « Art et Essai » : « in the mood for love », « la séparation », « welcome », « breaking the waves » et « les 400 coups »…

Excellente élève, elle décide de passer un bac S, ce que sa mère trouve fou : « C’est impossible, nous, on est trop noir, on ne peut être que nounou ». Si c’est impossible, c’est ce qu’elle veut faire. Après le bac S elle prépare une maîtrise de biologie à la Sorbonne , mais tous ces challenges ne lui suffisent pas, elle ressent un besoin de s’exprimer autrement et se paye les cours du Laboratoire de l’Acteur.

A la Sorbonne est organisé en 2013 un concours de scénarios. Elle se lance , rédige en 2 jours le scénario de « Cache Cache », et fait partie des lauréats . Elle a trois mois pour réaliser son court métrage. « Je ne savais pas comment faire », raconte elle, « mais j’ai regardé sur internet »…Elle remporte le prix et l’un des organisateurs, le producteur bordelais Zangro ( « Bien et Bien Productions », qui s’intéresse à tous les projets portant sur les réalités sociales et le rapprochement des cultures) la félicite et lui promet de produire ses futurs films. Ce sera « Mamans », en 2017, inspiré de sa propre vie, « Mamans » recevra des prix dans les plus grands festivals, et le César du meilleur court métrage lui sera remis par Fleur Pellerin, ministre éphémère de la Culture. Pour un coup d’essai, un coup de maître !

MIGNONNES est son premier long métrage, l’histoire de petites filles livrées à elles mêmes, sans aide ni outil pour se construire. Elles fuient l’archaïsme familial opprimant , et trouvent un exutoire dans des chorégraphies lascives entre copines, qu’elles mettent sur les réseaux sociaux où elles sont fières d’être « likées ». Et pour Maïmouna ce film est un cri d’alarme dénonçant l’hypersexualisation des préadolescentes que les adultes se devraient de protéger.

Alors que le film vient d’être couvert d’éloges aux festivals de Sundance et Berlin, et qu’il va être présenté au public , le tsunami du Covid 19 déferle. Il n’y a plus de sortie dans les salles. Netflix propose de sortir Mignonnes sur ses réseaux et lance non l’affiche choisie par la réalisatrice, mais une autre, particulièrement racoleuse, dont Maïmouna demande immédiatement la suppression. Mais l’affiche a été vue, et immédiatement une incroyable polémique éclate aux Etats Unis. Des pétitions d’élus républicains réclament le retrait du film accusé de faire l’éloge de la pédophilie, des menaces de mort sont lancées contre la réalisatrice. Un groupe « conspirationniste » publie qu’Hollywood est contrôlé par un réseau de pédophiles. En Turquie la presse se déchaîne contre une oeuvre accusée de pédophilie et d’islamophobie et l’organe de contrôle de l’audiovisuel turc interdit sa diffusion. Le Royaume Uni s’enflamme aussi. Le film n’est pas distribué que les échos relatés par la presse internationale lui donnent une réputation sulfureuse. La Presse française est plus nuancée, elle pose la vraie question : un film peut il montrer ce qu’il dénonce ? Et je pense qu’on peut répondre : oui, c’est même une des fonctions du Cinéma.

Le casting a été difficile, la réalisatrice a reçu et écouté plus de 700 petites filles parmi lesquelles Fathia Youssouf , 11 ans, qui joue Amy. Maïmouna Doucouré tenait à filmer Amy à hauteur d’enfant pour que le spectateur sente sa respiration, son coeur qui bat, sa douleur, sans jugement. Elle n’a pas donné le scénario à ses petites actrices. Elle leur racontait la séquence à tourner, et pour les aider à interpréter leurs personnages elle avait donné à chacune le nom d’un animal (toi, tu es un ours, toi un serpent…), pour Amy c’était un chaton fragile qui allait devenir un chat, puis une panthère, ce qui lui permettait de se retrouver dans les séquences, qui n’étaient pas tournées dans l’ordre. Une psychologue expérimentée était continuellement présente, et le protocole avait reçu l’aval de l’autorité chargée de la protection de l’Enfance.

La mise en scène est d’une vitalité rageuse, avec des couleurs qui explosent quand Amy est à l’extérieur avec ses copines, et qui s’assombrissent dès que les petites filles réintègrent le milieu familial. Les décors ont été créés de A à Z et la réalisatrice est particulièrement contente de sa machine à laver « cocon pour les deux amies ».Toutes avaient la danse dans le sang mais elles ont travaillé avec deux coachs pour la maîtrise des gestes.

Et je crois que nous n’oublierons pas le plan final, d’une infinie délicatesse.

La vie invisible d’Euridice Gusmão, Karim Ainouz

  • Karim AINOUZ est né en 1966 dans le Nord-Est brésilien. Son père, émigré Kabyle venu chercher une meilleure vie au Brésil, séduit une jeune brésilienne, lui fait un enfant et abandonne mère et fils. Karim est élevé dans la famille de sa mère, une famille de mère, de grand-mères, de tantes et de sœurs, joyeuses et généreuses mais sous la totale domination des hommes, souvent violents, qui décident de tout sans contestation possible..
  • Karim fait de bonnes études, l’architecture à Brasilia, puis la peinture, la photographie. S’intéressant au cinéma expérimental, il part à New York, où il découvre la vie américaine. A partir de 1990, il assiste des cinéastes confirmés, réalise des documentaires puis se partage entre longs métrages (notamment Madame Sata, histoire vraie d’un bandit brésilien homosexuel noir) et créations d’ évènements dans des musées, installations où il mêle tous les arts.
  • En 2015,la lecture du roman de Martha Baralha « La vie invisible d‘Euridice Gusmao » racontant l’impossible émancipation de deux sœurs, lui fait remonter les souvenirs de sa propre enfance dans le nord-est brésilien ultra-conservateur , et subjugué, il décide d’en faire un « Mélodrame Tropical » qui mettra les femmes à l’honneur. Il veut que son fim soit chargé de sensualité, de musique, de larmes, de sueur et de mascara qui coule, de cruauté, de violence et de sexe, un film « sentimental et excessif » avec des couleurs saturées. L’histoire se déroulera à Rio dans les années 50 et le réalisateur fera un véritable travail d’archéologue, les maisons, les meubles, les vêtements, les plats, les ustensiles de cuisine, tout doit être rigoureusement authentique. Au tournage, il est avant tout le monde dans les décors, pour s’imprégner de l’atmosphère, et il appelle les acteurs du prénom de leurs personnages.
  • Le film a reçu le prix de la section Un Certain regard au Festival de Cannes 2019. Le réalisateur en a été très heureux, comblé par le succès du film au Brésil « presque aussi fier de ce prix Cannois que d’une coupe de football » et plus encore, dit il, de ressentir l’émotion des spectateurs à la sortie de la projection.