Archives de catégorie : Soirées 7ème art Parasite

Les Eblouis, de Sara Suco

Les Eblouis, de Sarah Suco

Sarah Suco est d’abord une actrice de théâtre. Elle a commencé sa carrière dans une troupe spécialisée dans le spectacle pour jeune public avant d’intégrer la troupe de Pierre Palmade, collaborateur qui l’a incitée à écrire elle-même. Au cinéma, elle est également actrice, nous avons pu la voir récemment dans Les Invisibles, de Louis-Julien Petit, mais aussi dans Guy d’Alex Lutz ou encore Orpheline, d’Arnaud des Pallières. Elle est passée à la réalisation avec son ami Louis-Julien Petit pour un premier court-métrage en 2017, intitulé Nos enfants. 

Les Eblouis est son premier long-métrage, il est né à la suite d’une proposition de Dominique Besnéhard qui lui avait demandé d’écrire pour la série 10%. A la place, elle lui a proposé ce projet à forte teneur autobiographique puisque Sarah Suco a passé 10 ans de sa vie, de 1989 à 1999, avec ses parents et ses 5 frères et sœurs, dans une communauté religieuse charismatique. Pourtant il ne s’agit pas d’un documentaire sur sa vie, ce qui aurait été pour elle du voyeurisme. Elle a souhaité, en partant de son vécu, écrire une histoire qui aboutisse à un film à la fois populaire et exigeant, et pour cela, elle a choisi de ne pas travailler seule, que ce soit à la réalisation ou au scénario. Elle dit d’ailleurs que tous les éléments empruntés à la réalité ont été édulcorés pour éviter aussi bien le film d’horreur que le réquisitoire. Son idée-phare, c’est d’adopter le point de vue exclusif de Camille, l’héroïne âgée de 12 ans. On entre dans le film avec elle, donc sans jugement, avec son regard d’abord neutre, puis de plus en lus lucide et critique. 

Ce film est le 1er en France consacré aux dérives sectaires. Il est vrai qu’on a tendance à penser que ce genre de choses n’existe qu’aux Etats-Unis ; que les sectes, c’est le Temple du Soleil ou la scientologie. D’ailleurs, la réalisatrice recommande à ceux qui s’intéressent au sujet de regarder un documentaire disponible sur youtube qui s’intitule : Les béatitudes, une secte aux portes du Vatican. Ce que nous décrit Sarah Zuco, c’est une lente descente dans une spirale infernale, un passage progressif chez les enfants de la joie à l’angoisse, chez les parents de la douce excentricité à l’aveuglement coupable et la complicité terrifiante. Même si certaines ellipses accélèrent nettement le processus, le film montre comment ce mouvement attire et capture des personnalités fragiles et les isole de leur entourage pour avoir toute l’emprise possible sur eux. 

Dans cet engrenage, le personnage salvateur de la jeune Camille est incarné par Céleste Brunnquell, 15 ans au moment du tournage et une incroyable palette d’expressions et de mimiques pour exprimer sa révolte et son rejet de cet univers effroyable. Car c’est un univers qui torture les esprits et les corps, le corps de cet enfant qui rêve de cirque et se retrouve soumise à l’emprise implacable du Berger, gourou joué par Jean-Pierre Darroussin. 

Enfin, un mot sur le titre aux significations multiples : il désigne bien sûr les communautaires éblouis par leur gourou, mais aussi la jeune Camille éblouie par l’amour qu’elle porte à ses parents. « Grandir et devenir adulte, c’est accepter de ne plus être ébloui, de sortir de l’aveuglement, de réfléchir par soi-même. »

Proxima

Ce soir nous allons découvrir un monde qui cultive son mystère vis à vis du grand public; nous allons donc voir des endroits d’ordinaire cachés. Proxima est le nom d’une mission dans l’espace.

Le film spatial semble très à la mode en ce moment, il « colle  » à l’actualité puisqu’un équipage vers la planète Mars est en préparation. On a déjà vu des acteurs hollywoodiens envoyés dans l’espace: Matt Damon dans  » Seul sur Mars », Ryan Gosling dans »First Man »,et plus récemment Brad Pitt dans »Ad Astra ».

Mais dans le film d’Alice Winocour, pas d’imagerie à l’américaine.On vit dans le quotidien des astronautes qui se préparent au grand décollage: un univers essentiellement masculin.Les femmes ne représentent que 10% des spationautes et elles doivent redoubler d’efforts pour entrer dans ce monde d’hommes. Mêmes les combinaisons spatiales sont conçues pour les hommes attendu qu’elles ont un poids important aux épaules tout simplement parce que les hommes sont forts aux épaules.

La jeune réalisatrice ( elle a 44 ans) , a choisi de nous montrer l’entraînement acharné de l’unique femme retenue pour cette mission : elle doit se muscler pour pouvoir soutenir le poids du scaphandre, elle doit aussi vaincre des préjugés, dompter ses propres faiblesses et prouver plus que se compagnons masculins.

Pour incarner cette astronaute prête à s’envoler vers son rêve, elle a fait appel à Eva Green pour son côté  » amazone, guerrière, qui correspond aux femmes cosmonautes que j’ai rencontrées « , dit la réalisatrice. Elle poursuit « Eva Green ne sera jamais une actrice parmi d’autres, selon elle, il lui restera toujours une part d’étrangeté, d’apparente froideur ». Le précédent rôle d‘Eva Green l’avait obligée à faire du trapèze dans Dumbo de Tim Burton, elle qui avait le vertige. Elle avait dû apprendre à vaincre sa peur du vide.

Certaines scènes ont été tournées dans un véritable centre d’entraînement spatial , près de Cologne, là où s’entraînent les astronautes européens ( Thomas Pesquet fait d’ailleurs une apparition dans le film ). Alice Winocour a eu également l’autorisation de faire entrer sa caméra dans la « Cité des Etoiles », près de Moscou, véritable ville fermée. Puis elle a filmé la base de Baïkonour , seul endroit d’où partent vraiment les fusées pour atteindre la Station Spatiale Européenne. Aucun décor n’a été construit, tout a été tourné dans les installations où se déroulent les faits décrits.

Se confronter à l’espace , c’est aussi faire l’expérience de la fragilité humaine. On coupe le cordon avec la Terre-Mère, on coupe aussi le cordon avec ses proches. Lors de la phase de décollage, les scientifiques utilisent d’ailleurs l’expression : « séparation ombilicale ». Qui dit départ dit aussi douleur des adieux. Dans son scénario coécrit avec Stéphane Bron, la réalisatrice a tenu à mettre en scène une super-héroïne qui est aussi mère d’une fillette de 7-8 ans, jouée par Zélie Boulant-Lemesle et leurs relations sont particulièrement bien analysées.

Ce film qui se déroule dans un univers rigoureux, aseptisé, n’empêche jamais l’émotion, comme le souligne la musique subtile du Japonais Sakamoto. Ce musicien avait reçu l’Oscar de la meilleure musique pour « Le dernier empereur ».

LE GENERIQUE DE FIN NOUS PRéSENTE DES FEMMES ASTRONAUTES QUE NOUS AURONS SANS DOUTE ENVIE DE SALUER AVEC RESPECT APRéS AVOIR VU PROXIMA.

DENISE BRUNET

LE TRAÎTRE

NOUS ALLONS VOIR CE SOIR UN FILM SUR LA MAFIA, REALISE POUR UNE FOIS PAR UN ITALIEN,AVEC DES ACTEURS ITALIENS: MARCO BELLOCHIO. IL A VOULU APPORTER SON PROPRE REGARD…D’ITALIEN . JUSQU’ALORS C’ETAIT UNE SPECIALITE AMERICAINE: ON PENSE NATURELLEMENT AU « PARRAIN » DE COPPOLA . MAIS BELLOCHIO EST LOIN DE LA FASCINATION QUI CARACTERISE LES FILMS DE CE GENRE. PAS DE ROMANTISME SPECTACULAIRE,PAS DE FIORITURES, SEULEMENT DES CADRAGES SERRES SUR LES PROTAGONISTES. IL NE GLORIFIE SURTOUT PAS LE MILIEU QU’IL TRAITE, COMME SOUVENT LE FONT LES AMERICAINS. IL DEPEINT UN PANIER DE CRABES Où LES COUPS BAS ET LES BATAILLES D’EGO SONT MONNAIE COURANTE.

BELLOCHIO S’EST TOUJOURS CONFRONTE AUX SYMBOLES FORTS DE L’ITALIE : L’EGLISE,(AVEC SON FILM« AU NOM DU PERE » SORTI EN 1972),LA FAMILLE(DANS « LES POINGS DANS LES POCHES » DE 1965 OU DANS « FAIS DE BEAUX RÊVES » DE 2016, L’ARMEE » AVEC »MARCHE TRIOMPHALE » DE 1976 ET DESORMAIS LA MAFIA, SUJET SUGGERE AU REALISATEUR DE 79 ANS PAR SON PRODUCTEUR : « IL EST TEMPS A TON ÂGE DE T’ATTAQUER AU SUJET ».AVANT D’ACCEPTER L IDEE, IL S’EST BEAUCOUP DOCUMENTE SUR LE MONDE DE « COSTA NOSTRA« ,LA MAFIA SICILIENNE,SUR CELUI DES JUGES, ET CE PENDANT 2 ANS.

CETTE ORGANISATION,NEE DANS LA SECONDE MOITIE DU XIXEME SIECLE POUR DEFENDRE LES PAUVRES, A BASCULE DANS LA VIOLENCE CREANT UNE SOCIETE PARALLELE. SON IMPLANTATION ANCREE DANS LES MOEURS,FAIT PARTIE INTEGRANTE DU PAYS. LA MAFIA A SES CODES: PAR EXEMPLE LE SENS DE L’HONNEUR,QUI,ENTRE PARENTHESES SERT DE PARAVENT AUX INTERÊTS ET à LA CRAPULERIE DE CHACUN…,LA FAMILLE RELEVE DU SACRé. C’EST A ELLE QU’ IL CONVIENT DE S’ATTAQUER POUR TOUCHER L ENNEMI.

LE CINEASTE A COUTUME DE MÊLER L’INTIME à L’HISTOIRE. IL DECIDE DONC DE RETRACER L’ITINERAIRE SINGULIER D’UN MAFIOSO: TOMMASO BUSCETTA: C’EST MOINS LA MAFIA QUI PASSIONNE LE REALISATEUR QUE LES MECANISMES INTIMES DE BUSCETTA A TRAVERS SON PORTRAIT CE SONT NEANMOINS 15 ANS DE LA MAFIA SICILIENNE QU ‘ IL NOUS RACONTE .BUSCETTA A VRAIMENT EXISTE COMME EN TEMOIGNENT LES PHOTOS DU GENERIQUE DE FIN.

DANS LES ANNEES 80 COSA NOSTRA PROCEDAIT à DES ELIMINATIONS TRèS VIOLENTES,N’EPARGNANT NI FEMMES,NI ENFANTS,NI JUGES CON TRAIREMENT à L’ETHIQUE DE LA COSA NOSTRA D’ANTAN.

BUSCETTA EST INTERPRETE PAR UN ACTEUR TRèS CONNU EN ITALIE:PIERFRANCESCO FAVINO. A 50 ANS IL REUSSIT UNE COMPOSITION INOUBLIABLE AU POINT QUE CERTAINS REGRETTENT QU’IL N’AIT PAS REçU LA RECOMPENSE DU MEILLEUR ACTEUR MASCULIN; ELLE A ETE DECERNEE à ANTONIO BANDERAS. FAVINO A RECHERCHE DES VIDEOS SUR BUSCETTA,,A ETUDIE SA FAçON DE BOUGER LES MAINS? DE S’HABILLER,DE PARLER AUX GENS. IL CONFIE » JE N’AI PAS HONTE DE DIRE QUE JE SUIS ALLE à FOND DANS L’IMITATION »

BUSCETTA S’EST DESOLIDARISE DU GROUPE ET MARCO BELLOC HIO TENTE D’EN SAISIR LES RAISONS SANS TOUTEFOIS APPORTER DE REPONSES: EST-CE LA NECESSITE DE LA SURVIE ? EST-CE LA VENGEANCE ? LA REDEMPTION ? CE N’EST PAS LE VISAGE IMPENETRABLE DE FAVINO QUI NOUS AIDERA à LA COMPREHENSION DEFINITIVE DU PERSONNAGE.

LA BRILLANTE BANDE SONORE EST DUE à NICOLA PIOVANI: NOUS ENTENDRONS DES AIRS D’OPERA DE VERDI,NABUCCO NOTAMMENT. CE 26èME FILM DE M.BELLOCHIO REPRESENTERA L’ITALIE AUX OSCARS. QUELQUES SCENES NOUS RESTERONT EN MEMOIRE: LA SCENE INAUGURALE DANS CETTE SPLENDIDE VILLA DE PALERME,LE JOUR DE LA STE ROSALIE ( DANS CES AFFAIRES MIEUX VAUT SE PLACER SOUS PROTECTION DIVINE ! ) OU ENCORE LES SEQUENCES DE PROCES QUI TOURNENT à LA FOIRE,à LA COMEDIA DELL’ARTE.

J’AJOUTE QUE LE FILM EST SORTI EN ITALIE LE 23 MAI DERNIER,JOUR ANNIVERSAIRE DE LA MORT DU JUGE FALCONE SUR L ‘AUTOROUTE PRèS DE PALERME.

BONNE PROJECTION !

DENISE BRUNET

Martin Eden, de Pietro Marcello

Martin Eden, Pietro Marcello

J’assume aujourd’hui une présentation à la 1ère personne, car Martin Eden, avant d’être un film, est un de mes coups de coeur littéraires. Si vous croyez que Jack London n’a écrit que des histoires de chien de traîneaux, précipitez-vous dans une librairie ou une bibliothèque pour acquérir ce livre. Il s’agit d’un récit largement autobiographique, paru en 1909, racontant l’histoire d’un marin des quartiers pauvres d’Oakland, qui décide de se cultiver pour séduire une jeune bourgeoise. Après avoir exercé toutes sortes de métiers souvent très durs physiquement (j’ai le souvenir de pages où il décrit son travail dans une laverie), il se met à écrire et devient, non sans difficultés, un auteur à succès. Néanmoins, sa nouvelle situation ne peut pas satisfaire celui qui, au fond de lui, se souvient toujours du milieu d’où il vient et ne peut le renier, ce qui le conduit dans une impasse. 

En général, j’évite d’aller voir les films tirés de mes livres préférés, pour différentes raisons. Parce qu’il y a forcément un côté réducteur dans le changement de langage, mais aussi parce que le film m’impose des images différentes de celles que j’avais imaginées, et dont j’ai du mal à me défaire. J’ai par exemple toujours regretté d’être allée voir le film tiré du Liseur de Bernard Schlink.

Pourtant, j’ai choisi de voir ce film car il s’agit d’un projet original et pas d’une simple adaptation. Le réalisateur Pietro Marcello et le scénariste Maurizio Braucci voient dans ce roman l’histoire de tous ceux qui se sont formés non pas dans leur famille ou à l’école mais à travers une culture acquise en autodidactes, de tous ceux qui croient en la culture comme outil d’émancipation mais finissent forcément déçus. Ils ont donc transposé l’action dans un Xxème siècle sans repères temporels précis, une sorte de Xxème siècle rêvé, qui rappelle souvent les années 80, parfois aussi les années 50, sans qu’il y ait de cohérence chronologique claire. Pour le lieu, ils ont remplacé Oakland par Naples, mais cela pourrait être n’importe quelle ville portuaire, d’Italie ou d’ailleurs. Le film commence par la fin de la vie de Martin Eden, pour revenir ensuite sur différents moments du passé du personnage avant qu’il rencontre le succès. Il s’agit donc d’un film qui veut rendre l’esprit plutôt que la lettre du roman, qui ne cherche pas à l’adapter mais à en faire une véritable œuvre cinématographique. 

Le réalisateur est lui-même un autodidacte, né en 1976, qui a surtout tourné jusqu’ici des documentaires et s’intéresse toujours à son pays et aux gens du peuple. Il insère d’ailleurs dans son film des images qu’il avait tournées pour des films précédents, et de nombreuses images d’archives, ce qui rapproche parfois le film de ces grandes fresques comme celles de Bertolucci par exemple. En tout cas il s’agit d’un film en rupture avec les genres préétablis, qui ne manque pas d’audace du point de vue de la forme. 

Signalons enfin que l’acteur Luca Marinelli, qui interprète le rôle titre, a reçu à la mostra de Venise le 1er prix d’interprétation devant Joaquim Phoenix !

Bon film, et bonne lecture du roman ensuite !

Un jour de pluie à New-York

Nous vous présentons ce soir le 53ème de Woody Allen et de l’avis de tous ceux qui l’ont vu, il s’agit de son meilleur depuis une décennie.Il a fait l’ouverture du 45 ème festival du film américain à Deauville en septembre.

Il devait être distribué en 2018 aux USA, mais sa sortie a été annulée en raison du mouvement Me Too et de plusieurs accusations d’agressions sexuelles à l’encontre du réalisateur ,dont une particulièrement embarrassante pour lui puisqu’elle provenait de sa fille adoptive Dylan Farrow.Deux acteurs du film de ce soir:Rebecca Hall et Timothée Chalamet qui joue un des rôles principaux, ont partagé leur regret d’avoir tourné dans « Un jour de pluie à New-York » et ont reversé leur salaire à l’association Time’s up, destinée à venir en aide aux personnes victimes de harcèlements sexuels.En France, le distributeur des films de Woody Allen;:Mars Films, a attendu que les choses se tassent pour sortir le film, ne se sentant pas directement concerné par ce contexte extra-cinématographique.

Le récit est d’apparence futile:un couple d’étudiants prévoit de passer un week-end à Manhattan.En fait il raconte le désarroi d’une certaine bourgeoisie américaine.L’acuité du regard du réalisateur sur ces communautés bourgeoises , désinvoltes, est toujours aussi remarquable, même à 83 ans.Mais au fond il décrit son propre milieu social et culturel qu’il n’hésite pas à critiquer.

Sa caricature d’une jeunesse dorée, interprétée par une nouvelle génération de comédiens américains, conjugue légèreté, tendresse et humour.A travers son trio d’acteurs d’une vingtaine d’années : Timothée Chalamet, Elle Fanning, Selena Gomez, W.Allen a voulu capter l’idée même de jeunesse, synonyme d’élan vital , d’optimisme indestructible.Ce renouvellement des générations contribue à ce que le charme opère.

On retrouve bien-sûr tout ce qui caractérise les comédies sentimentales du réalisateur:des filles pétillantes, jolies, des garçons souvent pédants, des adultes inconséquents….Ajoutons la pluie » pour une comédie romantique, il faut de la pluie« plaisante W.Allen.Je crois savoir qu’il n’a pas hésité à en mettre beaucoup….

Cette balade frivole, loufoque, est jalonnée de bons mots, de répliques qui font mouche.Plus il vieillit, plus W.Allen se concentre sur l’écriture.Peut-être est-ce parce qu’il est conscient de savoir filmer sa ville comme personne, aidé en cela de son chef-opérateur: Vittorio Storano., il a donc plus de temps à consacrer aux dialogues.

Le cinéma de W.Allen prend ses racines à New-York.Sa caméra a voyagé ensuite dans les plus grandes métropoles romantiques d’Europe, mais il revient de nouveau à Manhattan.C’est avec délectation qu’il filme les rues , les bars, le Metropolitan Museum, les promenades à Central Park.

Quant à la musique, le réalisateur a proposé une compilation jazz dont 7 titres de Erroll Garner et une scène musicale au piano avec l’acteur Timothée Chalamet.

Je vous souhaite une bonne projection, ce film va sans doute nous donner envie d’avoir 20 ans à nouveau.

Denise Brunet

Ad Astra de James Gray

L’astronaute Roy McBride s’aventure jusqu’aux confins du système solaire à la recherche de son père disparu et pour résoudre un mystère qui menace la survie de notre planète.

Le titre du film, Ad Astra, en latin, signifie « vers les étoiles » et constitue un raccourcis de la formule « Ad Astra per Aspera » qui pourrait se traduire par « vers les étoiles, à travers la difficulté ».

James Gray est américain de 50 ans. C’est réalisateur et scénariste de films plutôt intimistes, il n’est pas habitué à des grands spectacles. C’est son 7ème film :
• Little Odessa (1994),
• The Yards (2000),
• La nuit nous appartient (2007),
• Two Lovers (2008),
• The Immigrant (2013)
• The Lost City of Z (2016).

On retrouve les thèmes déjà abordés dans ses précédents films :
• d’un côté la figure tutélaire du père
• de l’autre, le voyage vers l’inconnu pour s’en affranchir.

The Lost City of Z se déroulait au fond de la jungle amazonienne où une explorateur était à la recherche d’une cité perdue.
Ad astra et The Lost City of Z sont 2 films qui constituent les deux faces d’une même histoire, celle d’une quête existentielle incarnée par un héros, inadapté à son monde, qui part toujours plus loin à la recherche de réponses pour découvrir ce qu’il peut y avoir au bout.

Dans cette quête de l’inconnu, on ne peut s’empêcher de penser à Apocalypse Now.
Concernant l’espace et sa finitude ou son infinitude, sa difficulté d’appréhension, on ne peut non plus s’empêcher non plus de penser à 2001, l’odyssée de l’espace de Stanley Kubrick.
Et Brad Pitt dans une scène nous rappelle Solaris d’Andreï Tarkovski.

On pourrait penser que cela va être un film de science fiction et le voir comme un grand spectacle, ce n’est pas le cas, ce qui est recherché avant tout, ce sont les émotions aussi diverses soient-elles (solitude, émerveillement, incompréhension…)
Ici on ne parle pas de science fiction mais de science future factuelle. On essaie d’être dans un forme de réalisme.
La Lune est vue comme un réseau d’avant poste. Mars est vu comme une base scientifique de la même manière qu’une base antarctique actuelle.
Ce n’est pas un film de dimension technique, la dimension méta-physique est « presque le prétexte » de ce film.

Les acteurs que l’on ne présente plus :
• Brad Pitt : le fils Roy McBride
• Tommy Lee Jones : le père Clifford McBride
• Donald Sutherland : Colonel Thomas Pruitt
• Liv Tyler : Femme de Roy McBride
• Ruth Negga : Helen Lantos, peut-être incarne-t-elle la vérité ?

La musique des compositeurs Max Richter et Lorne Balfe (collaborateur de Hans Zimmer) ajoute les dimensions voyage vers l’inconnu, réflexion, analyse voire introspection.
• Churchil
• Gemini man
• The last man on the moon
• Good morning england

Le mot du soir : sonate

Bacurau de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles

Bacurau de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles

Prix du jury au festival de Cannes en 2019.

Né en 1968, Kleber Mendonça Filho vit actuellement à Recife au Nord-Est du Brésil
où il a passé son enfance.
• 2015 AQUARIUS – Scénariste et réalisateur
• 2012 LES BRUITS DE RECIFE

Né à Recife en 1980, Juliano Dornelles est membre fondateur du groupe de création ‘Símio Filmes’. En tant que chef décorateur depuis 16 ans, Juliano a commencé son partenariat avec Kleber Mendonça Filho en 2004 dans le court-métrage ELETRODOMÉSTICA.
Il a également été chef décorateur des films
• LES BRUITS DE RECIFE
• AQUARIUS.

Le pitch
Le village de Bacurau fait le deuil de sa matriarche Carmelita qui s’est éteinte à 94 ans. Quelques jours plus tard, les habitants remarquent que Bacurau a disparu de la carte.

L’idée du thème est venue à Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles il y a plusieurs années. Cette idée était de situer l’action dans un petit village isolé du Sertao dans le Nordeste (région agricole tout en étant aride, peuplée malgré tout de 53 M de personnes et grande comme 3 fois la France.). L’idée du lieu, le village, était là mais pas encore de scénario. C’est au cours du festival du Brasilia qu’après avoir vu des documentaires et des fictions qu’ils ont l’idée, l’idée du « Et si… ».
Alors comment présenter un film si on ne peut parler des 3 petits points ? Tentons tout de même de relever le défi.

C’est un film d’anticipation
Anticipation – dans un film d’anticipation, ce qui coûte bien souvent le plus cher ce sont les effets spéciaux. Dans Bacurau, l’effet spécial qui a couté le moins cher du film se résume à la phrase « Dans un futur proche » de manière à vous inviter à chercher ce qui est futuriste. Ce futur proche, au fur et à mesure que le film se tournait, devenait réalité par à cause de la survenue d’évènements au Brésil (violence, corruption, accès à la santé…)
C’est un drame
Drame – Dans le festival de Brasilia, comme dans certainement beaucoup de festivals, les contradictions sociales sont criantes. Les réalisateurs ont décidé de parler de personnes vivant dans un petit village pauvre et isolé, méprisées par les urbains et les puissants qui les voient comme des êtres fragiles. Pourtant la vie dans ce genre de village est complexe et enrichissante. Ces habitants pourraient bien se venger.

C’est un thriller
Thriller – de la tension, du suspense. On est en haleine.

C’est surtout un western.
Western – Comme dans une majorité de westerns, il a une ville, un village et des héros, des braves qui se manifestent, des victimes, des méchants, de la violence.

Mais c’est aussi un style typiquement brésilien : le cangaço . La cangço a été une forme de banditisme social dans le Nordeste de la fin du XIXème siècle et début du XXème , et a été beaucoup exploré par le cinéma brésilien des années 1950 et 1960.

Comme vous pourrez le voir, cette région du Nordeste a passionné les réalisateurs brésiliens. Walter Salles avait tourné en 1997 CENTRAL DO BRASIL dans la même région du Nordeste. Cependant en 1997, il y avait beaucoup de trace des années 60, 70 et 80 et donc une certaine nostalgie. Ce qui n’est plus le cas aujourd’hui, la société mondialisée dominée par la production chinoise est passée par là. Pour un film d’anticipation pas besoin de faire beaucoup d’effort de décors et d’accessoires même si…

Le titre.
Bacurau : oiseau crépusculaire et nocturne, appelé en français « engoulevent » qui a la particularité de se confondre avec les arbres dans lesquels il se repose. Il choisit de n’être visible que s’il l’a décidé. On pourrait dire de manière plus générale que le mot bacurau évoque une aventure nocturne.

La musique a été pensée de manière à marquer le début d’un nouveau chapitre ou l’annonce que quelque chose de très étrange va arriver. La musique est toujours au service du film, elle est là pour renforcer, jamais pour combler.

Je ne parlerai pas des acteurs car c’est avant tout un film choral.

Voici les ingrédients, je vous laisse profiter de la cuisine réalisée par Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles.

Avant de vous quitter, tradition oblige, le petit mot lié au film de ce soir est :cachaça.

Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma

Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma

Transportons nous en France en 1770. Marianne est peintre et doit réaliser le portrait de mariage d’Héloïse, une jeune femme qui vient de quitter le couvent. Héloïse résiste à son destin d’épouse en refusant de poser. Marianne va devoir la peindre en secret. Introduite auprès d’elle en tant que dame de compagnie, elle la regarde.

La réalisatrice Céline Sciamma est une scénariste et réalisatrice française de 40 ans à laquelle on doit pêle-mêle: Tomboy, bande de filles, ma vie de courgette, quand on a 17 ans.
Jusque là ses films se situent à l’époque contemporaine, c’est donc son premier film historique. Elle indique que « ce n’est pas parce que les problématiques sont anciennes qu’elles n’ont pas leur actualité : celle des artistes femmes et des femmes tout court. »

En recherchant au-delà des artistes féminins connus de l’époque i.e Elisabeth Vigée Le Brun, Artemisia Gentileschi, Angelica Kauffmann, elle a découvert qu’il y avait une véritable ébullition artistique dans le seconde moitié du XVIII ème siècle. Les peintres de portraits étaient nombreuses, mais les critiques d’art féminines étaient déjà en marche pour revendiquer plus d’égalité et de visibilité. Beaucoup d’œuvres d’artistes féminines sont dans des musées mais peu sont entrées dans les récits d’histoire. Céline Sciamma a ressenti un manque de n’avoir pu se construire avec ces œuvres féminines.

Un petit mot sur la reconstitution des décors et des costumes. Tourné dans un château inhabité depuis bien longtemps, il a fallu utiliser ce qui était resté en l’état et en profiter. Les costumes sont là pour témoigner de la sociologie de chacun des personnages, les costumières ont joué sur les coupes, les matières et le poids, tout cela a contraint les actrices dans leur jeu.
Mais revenons sur les femmes, celles qui avaient une vie toute tracée de l’enfance au couvent en passant par le mariage, puis les maternités, etc. bref une vie dominée par l’abnégation. Cela ne les empêchaient pas d’être curieuses, intelligentes avoir envie d’aimer on dirait aujourd’hui de se lâcher lorsque le protocole n’est plus pressant voire oppressant.
Mais au-delà de l’univers des femmes c’est l’amour le thème principal. Pour la réalisatrice c’est son premier film sur un amour vécu. Un amour qui commence par le trouble, le délai et le dialogue amoureux et qui se poursuit par la résonance de l’amour et son amplitude.
« Le film est pensé pour vivre à la fois le plaisir d’une passion au présent et celui de la fiction émancipatrice pour les personnages et les spectateurs. Cette double temporalité propose à la fois une expérience et une philosophie du sentiment. »

Casting
Dans le rôle d’Éloïse, on trouve Adèle Haenel, 30 ans que nous sommes habitués à voir lors séances TEM. Elles a notamment tourné dans Les combattants, 120 battements par minutes, En liberté.
Adèle Haenel est compagne de Céline Sciamma à la ville. C’est un rôle que la réalisatrice a pensé et écrit pour elle, en s’appuyant sur toutes les qualités dont elle a fait preuve dans ses précédents rôles mais en même temps il fallait lui donner un rôle nouveau. Plutôt que de parler de muse, Céline Sciamma préfère décrire leur relation de travail par la collaboration, un travail à deux, une inspiration mutuelle. Le rôle d’Éloïse est sentimental et intellectuel. Nous connaissons la voix très particulière de Adèle Haenel, vous remarquerez certainement le travail sur fait sur cette voix.
Qui mettre en face de Adèle Haenel pour incarner la peintre ? Noémie Merlant une actrice française de 30 ans, une étoile montante du cinéma français (elle est à l’affiche de 5 films en 2019 et un en 2020) Pourquoi ce choix ? Céline Sciamma a choisi un visage qu’elle ne connaissait pas. Cette actrice ne devait pas être débutante, être solide, courageuse volontaire et sentimentale. Une belle équation à résoudre.

Le mot du soir : poches